Tallergrafica3’s Blog

November 25, 2008

La poesía y el cuerpo

Filed under: Protagonistas — tallergrafica3 @ 10:41 pm

“He dado el salto de mí al alba.
He dejado mi cuerpo junto a la luz
y he cantado la tristeza de lo que nace.”

A. Pizarnik

(Sur, 1962)

 

 

 

Bajo el nombre de Flora Alejandra Pizarnik Bromiker, nace en Buenos Aires un 29 de Abril de 1936 en Avellaneda, Buenos Aires, una de las poetas que abriría un camino para la mujer en la poesía y la literatura argentina del país. Representa la generación de los 60, como una de las poetas líricas que expresaron las primeras líneas del surrealismo.

         Sus padres eran rusos con ascendencia judía, dedicados al comercio de la joyería, llegan a la Argentina huyendo de la persecución durante el Holocausto. Los apellidos y nombres originales fueron modificados por cuestiones de lenguaje en inmigración.

El destierro, que de suyo es doloroso para todos, resulta providencial. Se sabe que a excepción de un hermano de Elías (padre de Alejandra) radicado en París, y una hermana de Rosa (madre de Alejandra) que habitaba en Avellaneda, el resto de los familiares pereció en el Holocausto, lo que para la niña debió de significar un contacto temprano con los efectos de la muerte, que luego se convertiría en una fijación personal que la acompañaría para siempre” (César Aira).

         Alejandra estudió Filosofía y Letras en la Universidad de Buenos Aires, luego viaja a París para estudiar Literatura Francesa y trabajó en varios diarios y revistas literarias con traducciones de Artaud y Cesairé y publicando algunos de sus poemas.

Su obra poética la constituyen las siguientes obras: La tierra más ajena (1955), La última inocencia  (1956), Las aventuras perdidas (1958), Árbol de Diana (1962), Los trabajos y las noches (1965), Extracción de la piedra de locura (1968), El infierno musical (1971) y Textos de sombra, publicación póstuma en el año 1982.
         En el año 1972, Alejandra muere a causa de una sobredosis intencional de pastillas de seconal.

 

 

El abrupto final en la vida de Alejandra dejó ciertos huecos, dudas, preguntas. Su escritura parece pretender esbozarnos algunas respuestas. Locura y suicidio son las marcas que recorren la lectura de Alejandra, su muerte se alza en una especie de mito que encierra a su vez la cuestión del género. Todo esto surge cuando la soledad, la melancolía y el aislamiento se manifiestan en la escritura de una mujer, la interpretación lleva a encontrar una especie de prueba del desequilibrio que lleva a la locura o al suicidio y a un cuestionamiento del lugar de la mujer dentro de la sociedad.

 

EL MIEDO

 

En el eco de mis muertes
aún hay miedo.
¿Sabes tu del miedo?
Sé del miedo cuando digo mi nombre.
Es el miedo,
el miedo con sombrero negro
escondiendo ratas en mi sangre,
o el miedo con labios muertos
bebiendo mis deseos.
Sí. En el eco de mis muertes
aún hay miedo.

 

En toda su poesía su identidad está puesta en juego, su persona, su integridad: “Sé del miedo cuando digo mi nombre” escribe Alejandra posicionándose en el lugar tan hondo de la incertidumbre.

Ella misma decía de su escritura: “densa y llena de peligros a causa de su diafanidad excesiva”. Dentro de su obra Alejandra desarrolla relatos, historias de humor, teatro, artículos y ensayos y lo más significativo, que es su poesía. Toda Pizarnick está envuelta en la prosa.

AMANTES

una flor
no lejos de la noche
mi cuerpo mudo
se abre
a la delicada urgencia del rocío.

 

 El 5 de julio de 1972 Alejandra escribe lo que sería su última carta, a su amiga Ivonne Bordelois:
“Toda yo soy otra…” “Mi Ivoncita, mi cercanita. Por favor no nos pidamos explicaciones acerca del silencio (¿existe el silencio?) (…) te mandaré mi nuevo libro El infierno musical. Y también, si consigo fuerza, algunos poemas recientes cuyo emblema es la negación de los rasgos alejandrinos. En ellos, toda yo soy otra, fuera de ciertos pequeños detalles: el humor, los tormentos, las pruebas suplicantes (…). Ahora sé un poquito más (por eso ya no me siento a la mesa y rumio horas y horas un adjetivo de algún poema). Sé un poquito más, comprendo algo más; y sí, es tan terrible y viviente y vibrante esto que alienta en esto que ahora soy. No sé en qué me he convertido… Que desmemoria no te guíe”.

En estas líneas dedicadas a su amiga, ya deja ver su marca de desgano, de angustia. Pero lo más interesante es que pone a la literatura, su literatura en el lugar de lo vital, en el lugar de construcción de una existencia que la completa. Eso habla de la línea poética de Pizarnick, en donde la poesía dice mucho acerca de  quien la escribe. Alejandra construye un mundo paralelo, una atmósfera donde habitan sus otros yo. La agitación es continua, los versos vibran, es el traslado de su movimiento interior a la poesía que nos deja. (..) “oquedades movedizas como las palabras que escribo”. (POEMA PARA EL PADRE)

COLD IN HAND BLUES

y qué es lo que vas a decir
voy a decir solamente algo
y qué es lo que vas a hacer
voy a ocultarme en el lenguaje
y por qué
tengo miedo

Sus versos lo dicen, ella se ocultará en el lenguaje. Este miedo recurrente queda explícito, plasmado en sus palabras.

 11
ahora
           en esta hora inocente
yo y la que fui nos sentamos
en el umbral de mi mirada.

17
Días en que una palabra lejana se apodera de mí. Voy por esos días
sonámbula y transparente. La hermosa autómata se canta, se encanta,
se cuenta casos y cosas: nido de hilos rígidos donde me danzo y me
lloro en mis numerosos funerales. (Ella es su espejo incendiado, su
espera en hogueras frías, su elemento místico, su fornicación de nom-
bres creciendo solos en la noche pálida.)

(EL ARBOL DE DIANA)

Otra vez el juego de ir y venir entre un yo que es y un yo que fue, entre un yo que está y uno que ya no vuelve. A través de la dulce metáfora crea espacios nuevos, Alejandra navega sus miedos y los desata en palabras. La poesía de Alejandra Pizarnik es una poesía con nombre, es poesía de mujer que destapa su energía y la riega.

 

HIJA DEL VIENTO

Han venido.
Invaden la sangre.
Huelen a plumas,
a carencias,
a llanto.
Pero tú alimentas al miedo
y a la soledad
como a dos animales pequeños
perdidos en el desierto.

Han venido
a incendiar la edad del sueño.
Un adiós es tu vida.
Pero tú te abrazas
como la serpiente loca de movimiento
que sólo se halla a sí misma
porque no hay nadie.

Tú lloras debajo del llanto,
tú abres el cofre de tus deseos
y eres más rica que la noche.

Pero hace tanta soledad
que las palabras se suicidan.

         Alejandra muere decidiendo ser una hija más del viento, dejando su obra entera llena de voz, de fuerza, de presencia. Pizarnick es tierra para la poesía que funda un nuevo aire transparencia.

Natalia Romero.

Para recomendar después de ver

Filed under: Cine — tallergrafica3 @ 1:52 am

quemese

Ficha Técnica

Titulo original: Burn after reading

Género: Comedia dramática

Dirección: Ethan Cohen, Joel Cohen

Guión: Ethan Cohen, Joel Cohen

Interpretes: George Clooney, Frances Mcdormand, Brad Pitt, Tilda Swinton, John Malkovich, Richard Jenkins

Fotografía: Emmanuel Lubezki

Música: Carter Burwell

Montaje: Roderick Jaynes

Origen: Estados Unidos – Inglaterra – Francia (2008)

Duración: 95 minutos

***

Quémese después de leerse es la nueva película que lleva el sello de los hermanos Coen. Sus películas suelen estar teñidas de una confusión propiciada por confabulaciones y un poco de violencia. Joel y Ethan se caracterizan por trabajar con los géneros de comedia y cine negro. Algunos de los títulos más conocidos son O Brother (2000) y No es país para viejos (2007) que ganó el Oscar a la mejor película. Ésta particularmente, tiene como condimentos infidelidades, muertes, y muchos malos entendidos y combina personajes excéntricos, humor áspero y una incisiva ironía.

El argumento es enredado. Como consecuencia de haber sido despedido como analista en la CIA, Osborne Cox (John Malkovich) decide dejar de trabajar, tomar alcohol y escribir sus memorias. Mientras tanto, su esposa Katie (Tilda Swinton) contempla con su amante Harry Pfarrer (George Clooney) la posibilidad de divorciarse y para eso hace una copia del registro de los bienes que su marido guardaba en la computadora.

Paralelamente, en el gimnasio Harbodies, Linda Litzke (Frances McDormand) aprovecha las horas de trabajo para organizar encuentros a través de Internet, y soñar con hacerse las cirugías estéticas que no puede pagar. Ella es incentivada por Chad Feldheimer (Brad Pitt), un torpe y risible entrenador, mientras ignora que el administrador del gimnasio, Ted Treffon (Richard Jenkins), está enamorado de ella.

Estas dos historias se cruzan accidentalmente cuando la copia de los documentos de Cox cae inesperadamente en manos de uno de los empleados del gimnasio. Esto desata inesperadas peripecias, debido a que Linda y Chad toman las insignificantes memorias de este desempleado agente como información importantísima del servicio secreto y deciden recurrir a cualquiera que pueda darles algo de dinero. Esta sátira sobre el mundo del espionaje es atravesada por un torbellino de intrigas, tropiezos siniestros, giros inesperados, y entrecruzamientos delirantes.

La trama mordaz y absurda, llena de gags – es acompañada por un muy acertado reparto. Con un elenco tan reconocido, resulta sugestivo el desplazamiento de los roles usuales a los que estaban acostumbrados algunos actores. Nadie se hubiera imaginado a Brad Pitt haciendo de un tonto afeminado con expresiones completamente grotescas en un personaje que no requiriera sensualidad y que encima le saliera bien. Al mismo tiempo llamó la atención Frances McDormand con una excelente representación de una desquiciada solterona cegada por su ambición de transformación física. Los personajes de Clooney, un mujeriego empedernido, y Malkovich, un triste desempleado, se lucen en la metamorfosis psicótica de sus personajes. Son notables también los diálogos entre los jefes de la CIA, uno de ellos David Rasche (el inolvidable Martillo Hammer) indagando sobre las ocurrencias desatas por el robo de las memorias de Cox.

En definitiva, Quémese después de leerse es una película acaso atípica para lo habitual de Hollywood: se escapa de lo light y maneja un humor que interpela más allá de lo superficial. Los menos críticos podrán encontrar a estrellas en papeles inverosímiles; para el espectador más exigente, será una oportunidad de ver el otro cine que también se produce en Hollywood. Una invitación a aquellos cansados de fórmulas repetidas.

Betina Bartol

Un espacio para la cinefilia amateur

Filed under: Cine — tallergrafica3 @ 12:54 am
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Anteriormente para hablar de cine había que ser un crítico. Ahora, con la aparición del blog, se reconoce que todo espectador es potencialmente un crítico y se multiplican los espacios de aficionados que se dedican a comentar sus películas y directores favoritos.

Por Betina Bartol

La aparición de los blogs dedicados al cine abrió la posibilidad de experimentación para aquellos tentados por hacer que sus juicios trasciendan la exigua recepción individual; accesible al vasto e inextricable torrente de lectores que frecuentan la red. De esta manera, las personas se transforman en emisores mediante la vertiginosa construcción y publicación de su collage de subjetividades.

Es un espacio que se debate entre el “espectáculo del yo” y la “facilidad” de la palabra. Por eso no nació para imitar las formas establecidas de comunicación propias de los medios hegemónicos. Un blog es un sitio web periódicamente actualizado por un autor, amateur o especializado, que tiene total libertad para escribir. Cuenta con la posibilidad de incluir videos, fotos, links para enriquecer el espacio, junto con el intercambio con el lector a través de los comentarios.

De los blogs que hablan de cine, algunos hacen selecciones arbitrarias, otros siguen una temática o el trabajo de algún director, mientras que otros se limitan a discutir sobre los estrenos. Aquí algunos ejemplos.

El blog Cinemascope: una mirada al séptimo arte presenta en cada entrada una crítica de cada película. Las etiquetas están divididas por géneros que van desde suspenso y drama a cortos y animación. Lo interesante del blog es que hace recorridos muy completos de películas ignoradas en el circuito comercial. Hace saltos temporales para referirse a películas de directores como Ed Wood de los años ’50 o Alejandro Jodorowsky de los ’80. El objetivo del blog es una exposición de las “razones por las cuales me han llamado la atención, junto con intentar aportar todo tipo de datos, que creo pueden resultar interesantes para todos aquellos amantes del séptimo arte.” Para eso incluye reseñas muy acertadas de los argumentos, información sobre las películas anteriores de los directores, sugestivas comparaciones con otras películas, intercaladas por fotos originales de la película en cuestión. Incluye al final de cada entrada un fragmento de youtube que enriquece el despliegue. Además agrega un índice heterogéneo y muy extenso de links a otros blogs que hablan de cine.

Cine para usar el cerebro es un blog que se destaca por un lado por la selección de películas, ya que incluye directores como Gordard, Buñuel y Bertolucci, y por el otro, por las críticas en sí. Éstas incluyen fragmentos sobresalientes del guión junto con descripciones del argumento pero también de cómo está filmada y una muy acertada reflexión sobre los directores y actores. Las etiquetas están divididas por grupos no convencionales y divididos por partes como “Mujeres que cautivaron”, “El tema de la fealdad en el cine”, “El desempleo visto desde el cine francés” y “El incomprendido Orson Welles”, entre otras. Un blog que tiene como propósito “hablar de películas que nos hagan pensar, reflexionar y debatir” por un fanático de cine y admirador de directores como Truffaut, Hitchcock, Bergman, Woody Allen, Almodovar y Lombardi.

Lo más interesante de Clase B es que la selección de películas está basada en función de la revista de cable. Recomienda películas clásicas como el Gabinete del Doctor Caligari, Alphaville, La caída de la casa Usher, y la mayoría de la filmografía de Hitchcock especificando cuándo van a ser transmitidas por televisión. Al mismo tiempo, el material icónico predomina por sobre el verbal. La información se limita a una breve sinopsis y datos técnicos de la película, aunque en algunos casos también presenta su opinión. Son las imágenes las que convocan la atención del lector del blog: son originales, atrayentes y muchas que invitan de manera muy provocativa a ver la película.

En Homenaje a Truffaut, se recorre exclusivamente la filmografía del director de la Nouvelle Vague, Francois Truffaut. Están ordenadas en las etiquetas cronológicamente. Las críticas incluyen además de una descripción del argumento, las relaciones entre las películas, comparando momentos, temáticas, conflictos. Y cierra cada entrada con un detalle diferente. El más logrado es la selección de la escena para recordar, después tiene también curiosidades o experiencias personales relacionadas con la obtención de la película.

El autor de Un crítico de domingo es guionista de cine y de tv; además, estudió crítica cinematográfica. Sin embargo, lo más notable del blog no recae en su capacidad de criticar las películas, sino en algunas entradas que remiten a una serie de volúmenes que llama “Pequeña Historia del cine para uso de los niños”. De manera pedagógica agrega conocimientos teóricos y comparaciones de estilos. El blog cuenta con pocas fotos, y con un predominio de texto escrito.

November 23, 2008

“No existe verdadero hombre sin verdadera identidad”

Filed under: Protagonistas — tallergrafica3 @ 10:07 pm
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•A 32 años del Golpe de Estado de 1976, Horacio Pietragalla Corti, nos cuenta el descubrimiento que hace cinco años le cambió la vida para siempre: es hijo de desaparecidos y fue secuestrado cuando era un bebé.

Por Débora Simon

Era un 4 de abril y hacía 15 días que esperaba la noticia de su vida; le costaba dormir, su cabeza no paraba de pensar, de imaginar, de fantasear…por fin suena el teléfono. Cesar atiende y una voz se lo confirma: es hijo de desaparecidos. Cierra los ojos. Miles de pensamientos y emociones lo invaden. En un instante su pasado y su presente se esfumaron, y su nombre pasó al olvido, para ser de ahora en más Horacio Pietragalla Corti.

Horacio nació el 11 de marzo de 1976. Su papá, Horacio Pietragalla, fue asesinado en Córdoba en 1975. A partir de ese día su mamá, Liliana Corti, pasó a la clandestinidad, se mudó de barrio y cambió de nombre. A cinco meses del nacimiento de su hijo la mataron en un operativo efectuado en la casa en que vivían en Villa Adelina el 5 de agosto de 1976.

Horacio estaba en ese lugar y fue secuestrado por los militares.

Fue entregado a la familia que lo crió por el represor Hernán Tetzlaff, quien se apropió de otra hija de desaparecidos, Hilda Victoria Montenegro. “Mi madre del corazón, una mujer que trabajaba como empleada de un teniente coronel, se interesó por mí ya que yo estaba destinado a una pareja, familiar de este sujeto, la cual, arrepentida, dejó atrás tal encargo”

“A partir de la adolescencia empecé a tener dudas. Empecé a tener esa fantasía desde chico intuía que no encajaba en su familia. “Dentro mío había un presentimiento extraño que fue creciendo junto a mí. Siempre busqué un parecido físico con alguien debido a que tengo rasgos y cualidades muy distintas a ellos, nunca encontré una respuesta convincente, aumentando más mi presentimiento”, aseguró. Desde hace mucho tiempo la duda para él no era si era adoptado o no, sino si era o no hijo de desaparecidos.

La cercanía de Tetzlaff, que vivió desde siempre en su mismo edificio, acrecentó sus sospechas. El represor, fue condenado a ocho años de prisión por la apropiación de Montenegro.

-¿Qué era lo que te hacia dudar?

Dudaba porque físicamente no me parecía en nada a mi familia de crianza y porque socialmente me sentía muy distinto.

Sin embargo, lo que más llamaba su atención era la relación de su familia con el militar al que su madre le limpiaba la casa, que además era su padrino. “De chico me preguntaba por qué si teníamos tanta familia, el jefe de mi madre de crianza tenía que ser mi padrino. Era raro”.

Horacio relata su historia con mucha emoción y contagia sus sentimientos; se lo ve muy seguro, con mucha energía. Su casa esta llena de fotos y cuadros en blanco y negro, en la cual se pueden ver a sus padres biológicos.

A los 18 años Horacio se enteró de que la hija de su padrino –el militar- era apropiada. “En ese momento empecé a sospechar más todavía, pero lo que me frenaba era pensar‘¿cómo un militar le va a regalar un bebé a la mujer que limpia´?” confiesa.

Fue en el año 2001 cuando se destapa la verdad. El se estaba por ir a vivir a Brasil con quien hasta el momento era su novia, Magali. “La mujer que me crió vio que yo estaba tan decidido a irme que le dijo a mi novia algo así como que el día que se muera nos íbamos a enterar de una noticia muy fuerte”. Al confirmar que había una verdad oculta, Horacio entró en un dilema: ¿se iba con la duda o se quedaba y averiguaba cuál era el secreto que por tanto tiempo le habían ocultado?

El Gran Día

El primer paso fue ir a una reunión en la Comisión Nacional por el Derecho a la Identidad (CONADI) y presentar un certificado de Nacimiento. Allí contó quién era su padrino, cuál era su familia de crianza y planteó todas las dudas que tenía. “Al mes me llamaron para tener una entrevista con la abogada de Abuelas y ella me contó que había muchas denuncias anónimas de mi caso”

El paso a seguir entonces era hacerse un análisis de ADN.

-¿Qué sentiste ese día?Fue un flash porque yo fui con una fantasía y de pronto me encontré con que Abuelas tenía denuncias y sospechaban que yo era hijo de desaparecidos. “No estaba tan loco”, me dije. Y empecé a hacer las cosas lo más rápido posible para saber quién era.

Mientras él hacía esos trámites, su novia vio una foto en la web de Abuelas de Plaza de Mayo (www.abuelas.org.ar). “Es esa que está ahí. Soy yo con mi mamá” -señala Horacio uno de los cuadros en blanco y negro en donde se ve a una mujer con un bebé en brazos- “Esa era mi mamá (…) cuando vi la foto por primera vez note un parecido enorme. No la podía dejar de ver. Me di cuenta de que era la primera vez que veía a alguien parecido a mi en tantos años y eso fue muy fuerte”

horacio1

Efectivamente la mujer de la foto, era su mamá.

El 11 de marzo de 2002 Horacio se enteró de que era hijo de desaparecidos. Tampoco sabía, pero era su cumpleaños.

“El día que confirmé que mis padres eran desaparecidos y asesinados por la Triple A y la última dictadura militar que nos tocó sufrir a todos los argentinos, no fue tan sorprendente para mí, ya que el tiempo, el destino y el presentimiento me fueron preparando para esta noticia”, afirmó el joven.

“Yo recuperé mi identidad un 4 de abril. Ese mismo día llamé a Abuelas y grite por el tubo: “Soy Horacio Pietragalla Corti y voy para allá”, fue lo que dijo cuando llamó a Abuelas apenas supo los resultados de sus análisis de ADN.” y agrega “no me gusta que me digan Cesar, que era mi nombre anterior. Me enorgullece poder llevar el nombre de mi viejo, que desapareció cuando mamá estaba embarazada, que se llamaba Horacio.

De a poco va contando su historia y la emoción y el orgullo invaden el relato constantemente. El hecho de sentirse parecido a alguien, incluso hoy en día le sigue generando sensaciones que dice no poder explicar con palabras.

“Para quienes habían sido compañeros de mi papá y conocían a mi mamá fue un flash ver después de tantos años, un joven con el cuerpo del desaparecido Horacio y la cara de Liliana. Quedaban todos muy sorprendidos. Y es al día de hoy que me siguen diciendo: “movés los brazos como tu papá”

Investigar y buscar la verdad implica también que se inicie un proceso judicial en el que los padres de crianza se vean afectados. Las familias que se apropiaron de los hijos de desaparecidos cometieron delitos como falsificación de documentos, y ocultar a un menor de diez años. Horacio tuvo que tomar una decisión en donde corrían riesgo sus padres de crianza. Cuenta que sentía culpa pero también pensaba que había una familia esperándolo. Sus padres adoptivos fueron detenidos, y liberados a las dos semanas. Igualmente, Horacio se distanció de ellos. “Con el tiempo me fui dando cuenta de su error y de cuán defraudado me sentía. Yo siempre fui sincero, y ellos no. Cambió la relación. Puedo ir y hablar, pero si pienso en mi mamá y en mi papá pienso en Liliana y en Horacio”

Indudablemente ocurrió una tragedia. Nuestra historia delata un período terrible en el que muchos chicos como Horacio fueron apropiados por los militares y entregados a otras familias. Chicos que vivieron sus infancias entre juguetes y mentiras y que más tarde fueron adolescentes quienes entremezclaban la rebeldía con las dudas. Ahora son adultos, y tienen alrededor de 30 años. Son más de 400 los que todavía viven en la mentira.

“Hace dos años soy otra persona. Me siento mucho más seguro. El hecho de saber la verdad y haber cerrado un montón de preguntas inconclusas se refleja en mi personalidad. A la vez siento que volví a la adolescencia, a tener que volver a armar todo, a decidir nuevamente qué voy a hacer en mi futuro”

Hoy es felicidad y seguridad, atrás quedaron las dudas, la culpa y las mentiras. Horacio afirma que en el futuro se ve formando una familia contándole orgulloso a sus hijos quiénes fueron sus abuelos y asegurándose de que no habrá más engaños en las próximas generaciones.

“Lo hago por el pibe que pueda estar leyendo, que es un pibe grande, como yo. Le digo que no lo dude, esto se siente adentro”.

Horacio cuenta su historia, cree que es la mejor manera que tiene hoy de ayudar, y quién sabe tal vez alguno de esos 400 chicos, esté leyendo hoy esta nota…


*”El primer hijo de aparecidos” Tres meses después de encontrar su identidad, Horacio encontró los restos de sus padres. A su papá lo hallaron en una excavación en Córdoba y los restos de su madre estaban identificados. Este es el primer caso en que un hijo de desaparecidos puede enterrar los restos de su madre y de su padre.

November 27, 2008

Glorieta arrabalera

Filed under: Calle y cultura — tallergrafica3 @ 6:41 am

Domingo de primavera a las ocho y media de la noche, los faroles de la plaza en Barrancas de Belgrano se encienden para alumbrar un escenario único donde los bailarines de tango se reúnen, en la famosa Glorieta. La milonga estalla por su concurrencia, hay escaso lugar para movilizarse en la pista, apenas existen unos centímetros entre las parejas danzantes. “Está repleto de gente. Me chocaban todos, ¿viste?”, le dice una joven a otra que descansaba a un costado, apoyada en la baranda de madera.

Y los demás siguen bailando ignorando el reducido espacio. Existe un clima de fiesta, donde todos los invitados se reúnen y comparten la misma pasión: el tango. Aquél que pueda coordinar los pasos básicos al compás de la música puede expresarse a través del baile, con quien más le guste.

Los tacos altos son los protagonistas de la pista. Y por más altos que sean, se baila en puntas de pie. Se observan algunas alpargatas y zapatillas que desentonan en el cuadro, aunque las mujeres bailan en relevé, como si estuvieran paradas sobre unos tacos imaginarios. La tentación para sumarse al baile, es mucho más fuerte. Un desfile de zapatos de distintos colores y diseños deleitan a la mirada de los espectadores que se ubican alrededor.

Desde jóvenes parejas hasta las más experimentadas se combinan en un ambiente único y especial. Los turistas, en su mayoría extranjeros, son un número muy abundante. Muchos de ellos vienen

Se percibe un ámbito multicultural. Un grupo de turistas orientales observan con fascinación desde cierta distancia y sacan fotos con sus cámaras de última tecnología.

La mayoría se conoce y se saluda. “-¿Cómo andas tanto tiempo? –Bien, taconeando un poco… y transpirando como un perro”, le dice un hombre entrado en canas a otro de anteojos.
Sobre la escalera de mármol blanco, un joven y tres chicas comienzan con el ritual para entrar a la pista; se quitan sus zapatillas para calzarse los zapatos.

El caluroso clima ayuda a que aparezcan en escena otros visitantes de la plaza. Una cucaracha de tamaño considerable se dirige a la pista de baile. Una trampa mortal. La desafortunada, vive sus últimos momentos entre los cientos de zapatos que realizan firuletes y la esquivan casualmente.

“Hace doce años que vengo”, comenta Vera con tono orgulloso, una mujer de 57 años, quien estudió en la universidad del Tango. Se mantiene en excelente estado físico, prolijamente vestida con un saquito plateado caladito y pollera negra con bolados. Ella explica su encanto por la Glorieta. “Es único, creo que no hay en el mundo otro lugar abierto así donde se baile”. Esto es una de las causas por las que los turistas asisten al lugar, donde la milonga es al aire libre, y aunque el espacio físico cuenta con un techo, las actividades se suspenden en caso de lluvia. “Esto está tanto en invierno como en verano”, dice Vera. La milonga no se toma vacaciones.

El mantenimiento se hace a través del sistema “a la gorra”, el cual cada uno aporta con una contribución monetaria. Esta misma regla funciona para las clases y prácticas que se realizan antes de la milonga. Es un espacio público donde todos pueden asistir y sentirse cómodos.

Aquí se formaron gran cantidad de parejas, surgieron también grandes amistades. Y la historia amorosa de Vera justamente tuvo su inicio en la Glorieta. “Acá nos conocimos con mi esposo. Falleció hace tres años, por culpa del cigarrillo. Y yo sigo viniendo”. Sus ojos verdes brillan y expresan cierta melancolía.

Con los años que lleva asistiendo a la Glorieta, Vera ya conoce las intenciones de cada uno, “este es un lancero”, me advierte con una sonrisa luego de que un señor cincuentón me entregue su tarjeta personal en donde se lee debajo de su nombre: “tango salón, acompañamiento a milonga, clases” con su respectivo mail y teléfono.

Las expresiones de los rostros muestran diversos sentimientos. Unos bailan con los ojos cerrados, con las cejas levantadas, con una leve sonrisa dibujada, otros con el seño fruncido mostrando una pasión desenfrenada al dejarse llevar al compás del 2 x 4. Aquí los sentimientos se muestran a través de la interpretación de cada uno. Cada pareja posee su propio estilo, cada una es única. Los sentidos se encuentran a flor de piel y el constante ejercicio del ojeo está presente en todo momento.

Dentro de los códigos de la milonga, cuando un hombre invita a bailar a una mujer, si ella acepta, “la tanda” debe respetarse. Es decir que se bailan cuatro tangos. “Sino, quedas mal vos y lo haces quedar mal a él también”, explica Vera.

Débora, una chica treintañera, recuerda una de las primeras experiencias en la milonga, una vez bailó un sólo tango con un hombre pero ni bien terminó, huyó despavorida de su lado porque “ya no podía aguantar el olor a transpiración que él tenía”. Fue después de ese momento que aprendió lo que era el respetar a la tanda, cuando unos amigos le dijeron “¡¿Qué hiciste!?, no lo podes dejar así” y le explicaron el porqué. Entre risas ella comenta: “una de las peores cosas que te puede pasar en una milonga es que no te saquen a bailar. Y ahí si preocupate”.

“El tango es una inversión”, afirma Débora, refiriéndose a todas las satisfacciones que le dio su práctica además de la gente que conoció y los amigos que hizo en las clases y milongas.

Por Patricia Despuys

 

 

 Ubicada en 11 de Septiembre entre Sucre y Echeverría, Belgrano.

Acerca del nombre: La Glorieta se denomina Antonio Malvagni en honor al músico italiano que creo la Banda Municipal de Buenos Aires en 1910.

Disfrutando del tango por la tarde en Barrancas de Belgrano…

 

 

Milonga en la noche…

 

 

 

 

Animate a tomar clases, enseñan con toda la onda… recomiendo lunes a las 19 hs, luego practica hasta las 22 y miercoles 18.30 hs y luego practica hasta las 22. O simplemente para ir a ver… los viernes, sabados y domingos la milonga por la noche.

Palermo Soho: el fenómeno de un barrio en constante crecimiento

Filed under: lugares — tallergrafica3 @ 3:07 am

Palermo Soho: el fenómeno de un barrio en constante crecimiento

 

 

Por Natalia Monkowski

 

 

 

Hace cinco años atrás nadie hubiera imaginado la gran transformación que sufrió este barrio. Ni siquiera hubieran imaginado que Palermo Viejo se dividiría para autodefinirse Palermo Hollywood y Palermo Soho. Mientras que Palermo Hollywood es la zona comprendida entre Dorrego y Juan B. Justo,  y Córdoba y Nicaragua, Palermo Soho se encuentra entre Juan B. Justo y Scalabrini Ortiz, y Córdoba y Nicaragua.

En los años 80 Palermo Viejo se caracterizaba como un barrio bohemio, con gente intelectual y artista, habitada por casas y talleres mecánicos en menor proporción, donde vivía gente mayor. Pero hoy cambió. Las peluquerías, locales de decoración e indumentaria, librerías, bares, restoranes, galerías de arte, negocios vinculados a la moda, hoteles boutique y productoras de cine y televisión coparon el barrio.

Ir a pasear por Palermo Soho durante el fin de semana se convirtió en una salida habitual. Y los motivos para no perderse este paseo son muchos. Plaza Serrano, en la intersección de Serrano y Honduras, se convirtió en la vedette del barrio. Allí todos los fines de semana se arma la feria que nuclea diseñadores independientes y artistas bohemios que exponen en mantas sobre la vereda sus creaciones. A precios muy accesibles, los diseñadores independientes encontraron su lugar para vender sus creaciones. Lo hacen en locales enfrente a Plaza Serrano que por la noche son bares a los que concurre la gente joven. ¿Qué exponen los diseñadores? De todo. Además de todo tipo de indumentaria, podemos encontrarnos con collares, bikinis, ropa interior, sandalias, medias, binchas y aros. Pero el plus es que tanto la indumentaria como los accesorios son un diseño original.

Pero es curioso el contraste entre los diseñadores independientes nucleados los locales frente a Plaza Serrano y los artistas que exponen sus creaciones sobre la vereda, y los locales de ropa. Mientras en estos últimos predomina la marca, los precios que nos recuerdan la inflación y lo “cheto”, la feria de Plaza Serrano se caracteriza por ser original, diferente, bohemia y apta para todo bolsillo.   

Los turistas y la gente joven de clase media habitan las calles durante el día en Palermo Soho y se asombran con los diseños atípicos y los precios baratos, mientras de noche los bares que de día fueron ocupados para la feria se llenan con la juventud ansiosa de pasar una noche en este maravilloso barrio.

En estos últimos cinco años las casas prácticamente desaparecieron o lo están por hacer, la mayoría tiene el cartel que anuncia que se vende o alquila, para darle lugar a este fenómeno en expansión que podríamos denominar nuevo Palermo que tiene una interesante combinación entre moderno, fashion y bohemio, que nadie se puede perder.

http://www.bue.gov.ar/recorridos/?menu_id=123&info=auto_contenido

 

http://www.cronista.com/notas/154392-la-ropa-palermo-soho-ahora-causa-furor-america-latina

 

http://www.visitbue.com/esp/soho.html

Christian Busquier, un apasionado del cine y la literatura

Filed under: Protagonistas — tallergrafica3 @ 2:33 am

Christian Busquier es guionista de cine. Le apasiona también la escritura literaria y periodística. Fanático de la cinematografía de género como la aventura, el terror, la ciencia ficción y a su vez el folletín literario. Luego de dar clases en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica, aguarda con paciencia la realización de esta entrevista.

Por Lucía Nadal.

Nacido en Buenos Aires el 19 de enero de 1973, Christian mamó desde chico la cinefilia. Por motivos laborales de su padre, Buenos Aires, Rosario, Rio Gallegos y Paraguay fueron los lugares que lo vieron crecer. Recuerda con felicidad esa época: “Yo creo que mi vocación la encontré cuando yo estaba en segundo grado y mi papá un día de verano me llevó a ver a los cines del centro El Imperio Contraataca. Y partir de ahí tengo muchos recuerdos muy relacionados con el cine. Varias sesiones en las salas Los Ángeles con mis papás contándonos la películas que con mis hermanos capaz no terminábamos de entender porque éramos muy chiquitos o viendo peículas en mi casa donde nos leían los subtitulados. Y después cuando vivía en Rio Gallegos todos los domingos eran tardes enteras en las que veíamos películas desde western spaghetti hasta todo tipo de cine pero sobre todo mucho cine de género que es lo que me marcó más”.

Si bien primero estudió economía en la UBA “por una especie de designio paterno”, después por “predisposición natural”, como nos cuenta, terminó estudiando cine. Primero hizo la carrera de Realizador Integral de Cine y Televisión en el Centro de Investigación Cinematográfica (CIC) donde egresó en 1998. Después ingresó becado a la Escuela de Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC), donde hizo su especialización en guión y egresó en el 2002.

Entre sus primeros trabajos encontramos la crítica cinematográfica en una diario provincial. “A partir de los 14 años empecé a escribir para el único diario que en ese momento había en la provincia de Santa Cruz llamado la Opinión Austral. Si bien era un diario muy importante no tenía sección de espectáculos. Me presenté al editor y le dije que era una vergüenza que no tuviera esa sección. Y arranqué a escribir ahí por tres años en los que todos los jueves hacía crítica de cine y después cuando vino el auge de los videoclub hacía crítica de video. Al principio no me dejaban firmar los artículos, era algo que me lo tenía que ganar con el tiempo hasta que lo conseguí por constancia. Me acuerdo que venía Buenos Aires antes o después de las vacaciones familiares y estaba acá un mes un mes y medio con una inyección diaria de dos, tres películas. Con lo cual me llevaba un bagaje de cine importante. Y me permitía hacer critica de películas mucho antes que salieran en Río Gallegos” nos relata.

Durante esa época también tuvo la oportunidad de hacer tres programas de radio. En el primero querían que trasladara su columna semanal del diario a radio AM. Y fue lo hizo durante todo un año los domingos. A eso le agregó la sección de música donde comentaba y pasaba bandas de sonido de películas. “Dio la casualidad que uno de los operadores estaba montando su propia FM con lo cual como le gustó la selección de música que hacía, le gustó el tono de voz que tenía y me convocó para que haga lo mismo pero con un programa más amplio en FM. Era todos los sábados 2 horas durante 2 años. Además en el verano a veces hacía la suplencia de locutores” nos comenta.

Por esos años, “empezó mi ritual de ir al cine todos los jueves. Como sucedía en el interior las funciones eran dobles. Tipo 8 daban la primera que era de una calidad un poco inferior y después la proyección principal.”

“A partir de mi trabajo en el diario se me abrieron las puertas del que era el video club más importante de Rio Gallegos y terminé siendo el referente de las películas que el videoclub compraba” agrega.

Siempre le gustó escribir tanto desde el enfoque periodístico sobre cine, literatura e historietas que son los 3 géneros que más le interesan, como también hacer poesía y cuentos que escribía desde chico y además publicaba en diarios estudiantiles.

En febrero de 2004 terminó su primera novela, La Maratón, un relato claustrofóbico de terror y vampiros en el marco de una lluviosa y gótica Buenos Aires del siglo XXI. También hizo un libro por encargo para el Museo de Cine Pablo C. Ducros Hicken y editado por Ediciones La Crujía. “Escribimos Cine. Estudio sobre la discreta profesión de ser guionista” que recopila entrevistas a guionistas argentinos. En el medio gráfico hizo además, algunas colaboraciones como freelance para revistas de cine y literatura como Plan 9, Ossessione, Mabuse y Psyque Navegante.

“Cuando empecé con la carrera de cine automáticamente me decidí por guión. La parte técnica nunca me atrajo demasiado. Creo en un cine de especificidades. No creo en un productor que es director y escritor de su propio proyecto, es decir que haga todo. El cine es un trabajo en equipo. Y uno de los que forma parte del equipo es el guionista. Lo que tiene en particular esta escritura es que no está completa hasta la realización del film. Es una escritura en camino de ser otra cosa, es una escritura en función de algo más. Es el primer paso de varios pasos” sostiene.

“La escritura de El niño de barro – su primer guión que salió en la pantalla grande y con el que se recibió en su tesis – fue algo que me dio muchísima satisfacción. Fue proceso muy interesante poder trabajar en la realización del film, en las escrituras posteriores del guión original que había escrito”.

“Hablar de la historia de el petiso orejudo, Cayetano Santos Godino, me permite contar aspectos oscuros o pocos develados que tienen que ver con la naturaleza humana en particular y con la construcción de las sociedades en general. Trabajar sobre el arquetipo de la maldad permite, echar una mirada retrospectiva a lo que somos como sociedad. El policial permite hablar de temas que generalmente están vedados sobre la naturaleza del crimen que está ligada al deseo, a la pulsión y un lugar de placer” nos cuenta.

Christian es un persona que decididamente disfruta lo que hace: critica, literatura y cine. Como lo deja plasmado en su blog en su cabeza resuenan las palabras de Scorsese que dice: “Recuerdo que de niño me llevaban al cine y que mi primera sensación fue la de penetrar en un mundo mágico: la alfombra mullida, el olor de las palomitas de maíz frescas, la oscuridad, la sensación de seguridad, y sobre todo de estar en un santuario: todas estas cosas evocan en mi memoria una iglesia. Un mundo de sueños. Un lugar que provocaba y agrandaba nuestra imaginación. Justamente de eso se trata”

“No quiero ir nada más que hasta el fondo”

Filed under: Protagonistas — tallergrafica3 @ 1:55 am

Alejandra Pizarnik, nombre que ella eligió tomar luego de su segunda publicación, nació en Buenos Aires el 29 de Abril de 1936, bajo el nombre de Flora. Sus padres, una pareja de judíos rusos, lograron inmigrar a la Argentina justo antes del holocausto.

 

            Desde su infancia, Alejandra se consideraba “fea e inadaptada”. Era tímida, tartamuda, de baja estatura, tenía problemas de acné y sobrepeso. Ante esta sumatoria de cosas, a los 15 años comenzó a fumar y a consumir anfetaminas para bajar de peso; aunque el consumo de esta droga fue prolongado durante sus años de estudio para evitar el sueño.

           

            Hizo el bachillerato en la Escuela Nº 7 de Avellaneda.

           

            En 1954 ingresó a la Facultad de Filosofía y Letras y se convirtió en una representante típica de un sector exclusivo de la juventud intelectual porteña de los años 50. Fue dentro del contexto universitario, donde comenzó a estructurar su condición de “literata argentina de vanguardia”.

            En 1955 sacó su primer libro de poemas -financiado por su padre-, titulado “La tierra más ajena”.

            En 1956 publicó “La ultima inocencia” dedicado a León Ostrov, su analista de muchos años, y en 1958 “Las aventuras perdidas”, que lleva una ilustración de Paul Klee quien fue, junto a Hyeronimus Bosch, su pintor favorito.

            Entre 1960 y 1964 vivió en París, donde trabajó un año para la revista Cuadernos para la liberación de la cultura como correctora. También colaboró con numerosas revistas, americanas y europeas, de poesía y literatura.

            Su radicación en Francia le permitió conocer y entablar una amistad con André Pieyre de Mandiargues, Octavio Paz, Julio Cortázar y Rosa Chacel.

            En el año 1962 salió a la venta “El Árbol de Diana” (con prólogo de Octavio Paz).

            Lo bueno y lo malo de su estadía en la ciudad Parisina, se vio reflejado en las cartas que enviaba a su familia en esa época: “Yo ando mejor que nunca. Escribo, publico en las revistas de aquí, y  lamentablemente, trabajo en sitios infames para ganarme el duro pan de cada noche”.

            En 1964 regresó a Buenos Aires, puesto que su padre se encontraba mal de salud. Desde ese año en adelante, en fragmentos de su diario personal, comenzó a  advertirse su temor a la locura.

            En 1967 falleció su padre; y durante esos años Pizarnik publicó dos libros muy importantes para su carrera, “Los trabajos y las noches” y “Extracción de la piedra de locura”; convirtiéndose en acreedora de la beca Guggenheim y Fulbright.

            Entre 1968 y 1969 realizó un breve viaje a Nueva York y luego a París, adonde ansiaba volver; pero se decepcionó mucho al encontrar a París “desposeída de su antiguo encanto literario”, tal como ella misma lo manifestó.

            Al regresar a Buenos Aires, su depresión la llevó a publicar muy poco, aunque comenzó a trabajar en La bucanera de Pernambuco o Hilda la polígrafa.

            En 1971, Alejandra ingirió una sobredosis de barbitúricos, pero fue encontrada a tiempo y llevada a un hospital para hacerle un lavaje de estómago. Luego de este intento de suicidio, ante un proceso terapéutico diseñado por Pichon Rivière, pareció mejorar su situación. Sin embargo, ese mismo año al publicar La condesa sangrienta y El infierno musical, las alusiones a la muerte y sobre todo al suicidio se hicieron muy evidentes. Tal es así como en El infierno musical expresó: “(…) triste como sí misma, hermosa como el suicidio, que me sobrevuela como una dinastía de soles”. Luego de una recaída no pudo recomponerse más.

           

            Entre 1971 y 1972 comenzó a frecuentar clínicas y tratamientos para poder lidiar con su terrible depresión. Se pasó el último año de su vida recluida, e inmersa en un mundo de tinieblas.

           

            A mediados de 1972 quedó internada durante cinco meses en el Hospital Psiquiátrico Pirovano de Buenos Aires, pero un fin de semana del mes de septiembre con un permiso de salida, volvió a su casa donde terminó con su ya insostenible vida, tras ingerir una sobredosis de seconal. En su habitación, junto a su cuerpo, Alejandra dejó escrito en un pizarrón: “No quiero ir nada más que hasta el fondo”. Su cuarto estaba repleto libros, lápices de colores, borradores con sus últimos escritos, y de muñecas destartaladas y maquilladas.

           

            Alejandra veía que la poesía era la única capaz de darle razón y sentido a la vida, rigiéndola y configurándola. Por ello al decir “Dediqué mi vida a la poesía y ahora descubro que la poesía no le importa a nadie”, estaba diciendo que su vida ya no tenía sentido.

           

            Luego de su muerte, la familia se ocupó de ocultar sus diarios personales para evitar que se conociera acerca de su homosexualidad y sobre sus fantasías eróticas, sádicas y obscenas. Sin embargo, los diarios ya habían sido editados años anteriores por la poetisa misma, extrayéndole partes que ella decidió no hacer públicas.

 

            Su desaliento por el mundo lírico, su temor a la locura y a la vejez dejaban a la poetisa argentina tendida en el piso de su cuarto, y a merced de ese fondo al que tantas veces intentó llegar. Así fue como el dolor se despedía de su ser, mientras sus tristes ojos se cerraban para siempre. El temor que Alejandra Pizarnik supo convertir en deseo, fue cumplido aquel 25 de septiembre del 72, cuando la fascinante voz de Janis Joplin se fundía en su anhelo, y la acompañaba en aquel nuevo camino de inevitable retorno.


Emilia Risso.

 

 

 

November 26, 2008

Tristán Bauer: una vida de aprendizaje

Filed under: Protagonistas — tallergrafica3 @ 7:10 pm

Recibió premios internacionales y reconocimiento mundial desde su primer largometraje. Ahora como nuevo titular del Sistema Nacional de Medios Públicos, que engloba Canal 7 y las cuarenta emisoras de Radio Nacional, y como director del canal educativo Encuentro, sigue creciendo. Su lugar es detrás de las cámaras pero hoy toma el micrófono y reconstruye su historia…

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Son las 11 de la mañana y sigue llegando gente a trabajar al edificio del Canal Encuentro. El ambiente parece distendido, solo Rubén, el encargado de seguridad, lleva pantalón de vestir.

Por una antigua puerta de madera entra caminando, muy tranquilo, el Director. Su mirada serena y su camisa sin corbata terminan de desacartonar el ambiente. No lo inhibe el grabador, lo maneja él y lo llena con sus palabras.

Dispuesto a charlar, cuenta que tenía 14 años cuando supo que quería dedicar su vida al cine. Después de ver la proyección de Milagros Vidal “sentí que mi vida cambiaba absolutamente, salí con la certeza de que quería construir historia con imágenes”. Pero todavía era muy chico, tenía mucho por aprender.

Luego vino su paso por la Universidad. El recuerdo de aquella época, le trae memorias del dolor de la dictadura. Relata que la vida en ese mundo de sometimiento, de tortura y de espanto le dio esa conexión tan fuerte que siente con la realidad y con la historia: “En la escuela en que yo estudiaba estaba prácticamente prohibido la palabra documental, y como reacción a esa prohibición, opte por ese camino”. Su último gusto se lo da con un documental sobre el Che Guevara, una mirada “hasta ahora desconocida, hasta ahora no revelada” sobre este personaje tan retratado, “su faceta más profunda y su costado de escritor”.

Sus obras más reconocidas son Cortázar e Iluminados por el Fuego. Sobre el rodaje de ésta ultima, Bauer recuerda que con el viaje a las Islas Malvinas sintió una emoción muy fuerte, “casi una conmoción”. Después de unos instantes de silencio, agrega: “Filmar allí fue una de las experiencias dramáticas más intensas que he vivido, y a esta sensación, se sumaba cierta adrenalina en el momento de recrear los campos de batalla”. Sonríe al recordar el manejo de explosiones, de disparos y de cientos de extras que significaron para él un retorno a la niñez, un juego de niños.

“Estoy por cumplir 48 años y es una vida de aprendizaje”. Con una mirada tímida, y a la vez, orgullosa por los resultados, revela: “He sido un hombre que, más que hablar, he escuchado”. Esto le permitió incorporar grandes lecciones que lo impulsaron hasta lo que es hoy en día. Afirma convencido que Ernesto Guevara es un gran maestro para él. “Me ha conmovido su constante búsqueda de progreso y entrega personal y de superación social”, dice emocionado y agrega que ha sido uno de sus grandes enseñanzas de los últimos tiempos.

Además de aprender, por suerte para los amantes del cine, le resulta muy atractivo enseñar y por eso espera volver a hacerlo. Para él es otra manera de formarse y le ayuda a ordenar sus ideas. Pero no solo se dedicó a dar clases en sus años de profesor: la mujer a quien ama y con quien tiene dos hijas era alumna suya. “Siempre ha sido muy pasional… para mi enseñar”, afirma pausadamente.

Trabaja también en televisión, pero declara públicamente que prefiere infinitamente el cine. “Me parece que con el cine podes llegar a niveles de profundidad que con la televisión es imposible”. Su faceta artística no termina ahí, estudió pintura y siempre le gustó mucho dibujar. Lleva al cine de la mano del arte y esto le da un condimento extra a sus obras.

Por otro lado destaca: “La televisión es un enorme despertador de inquietudes”. Cree que la televisión tiene que estar puesta al servicio del hombre, para marcar una mejora en la sociedad. Ve pleno sentido en mostrar facetas de la realidad que generalmente no se muestran, a revalorizar artistas y científicos nacionales y a integrar las nuevas tecnologías en la educación.

Optimista y trabajador. Ama lo que hace y siente “fascinación” de poder hacer lo que quiere. Será por eso que no se toma descanso, “no creo en esa idea de vacaciones, no tengo necesidad de tomarmelas”.

“Al país le debo todo”, afirma. Le han ofrecido tentadoras propuestas para vivir en España, pero reconoce que nuca podría irse. Se siente muy argentino. “Creo que es un lugar extraordinario para la creación y para el desarrollo”.

“Heredamos altos niveles de desigualdad”, pero con poderosa convicción afirma que la realidad se puede cambiar, que la idea contraria es “producto del capitalismo que transforma al ser humano en un consumidor, en un espectador pasivo de la realidad. Si te transformas en un actor dinámico de la realidad, seguro vas a crecer” y seguro… vas a aprender.

¿Un consejo de Tristán Bauer? Voluntad y superación, ser los actores de la propia vida: “Hay que lograr dar un paso mas allá y empezar a crear”.

Teresa Paci

¿Dónde estás tecnología?

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¿Dónde estás tecnología?

 

 

En marzo de este año, en la ciudad de Mesa, Arizona, un adolescente ha reconocido haber asesinado a su padre con un disparo de escopeta luego que éste decidiera cancelar la conexión a Internet. Si bien el joven padece de trastornos mentales, no puede dejar de llamar la atención cuál fue el detonante, ya que nos pone sobre aviso sobre la importancia que le adjudican los jóvenes a Internet y a la tecnología.

Roxana Morduchowicz, consultora de la UNESCO, le contó a Página 12 que “la llegada de Internet alteró la dinámica familiar”, los padres por primera vez tienen menos conocimiento en cuanto al manejo y al instrumental que sus hijos.

Según los resultados que arrojó el Estudio General de Medios de la consultora IPSOS Media, más del 80% de adolescentes y jóvenes usan mensajes de textos.

El estudio demuestra que el 38% de los encuestados es usuario de telefonía móvil y el 71% tiene el hábito de enviar y recibir mensajes de textos.

Los jóvenes de hoy han crecido junto con la evolución de Internet y los teléfonos celulares, así es como hoy, no se imaginan un mundo anterior sin estos artefactos.

Hay quiénes plantean que las nuevas tecnologías llevan a la incomunicación, a la falta de contacto entre las personas, y por otro lado, hay también quiénes sostienen que sirven a aquellas personas tímidas, que no se animarían a relacionarse de otra manera.

De cualquier manera, lo que es cierto es que la tecnología es para los jóvenes de hoy algo cotidiano, mientras que para los padres significa un monstruo nuevo, al que se están adaptando progresivamente.

No existe ningún estudio que compruebe específicamente que Internet junto con las nuevas tecnologías aísle a los usuarios, sin embargo, es evidente que genera nuevas formas de sociabilidad, así es como el Chat aparece como una de las herramientas más utilizadas, donde la dimensión corporal se esfuma, y esto es esencial para los jóvenes, ya que en la adolescencia el desarrollo del cuerpo suele generar conflictos. Por lo tanto, la pantalla funciona como mediadora y ellos se sienten menos expuestos.

La psicóloga Marisol Maletti expresó que “no debemos vivir en un mundo virtual, debemos basarnos en las relaciones reales, porque sino no sabremos cómo manejarnos en la vida cotidiana. Los padres deben poder poner límites y explicar que no todo pasa por Internet ni se soluciona con un mensaje de texto”. A lo que cabe agregar que entonces la cuestión pasa por saber entender la utilidad de las nuevas tecnologías, que no son malignas y que han posibilitado miles de formas de relaciones en menos tiempo y sin importar la distancia; aunque también es necesario ser responsables a la hora de utilizarlos, ya que no podemos reducir nuestra vida a pasar otras frente a una computadora, la televisión y los videojuegos, ni tampoco entrar en “panic attack” porque nos quedamos sin celular.

En un mundo globalizado como el de hoy no podemos pensar en dejar de utilizar Internet o dejar de lado los teléfonos celulares. Hoy en día es premisa básica estar conectados constantemente y ya no podemos volver atrás. Lo que sí podemos, es serenarnos y entender que podemos poner nosotros los límites sobre estas tecnologías que parecen sobrepasarnos y conducirnos. Por lo tanto, es posible pensar en que cada uno puede darle un uso efectivo en momentos adecuados y necesarios y no enviciarse ni sentir que le falta algo cuando por momentos no se encuentra conectado mediante ninguna red o con el celular apagado.

En la sociedad de las grandes ciudades, ya hace tiempo que la vida tranquila ha dejado de ser posible, como dijo Marisol “uno se acelera al ritmo que corren todos y los chicos ya no se pasan el día afuera en el patio jugando, sino que están frente a videojuegos, a computadoras o hasta incluso tienen celulares”. Los padres de hoy tienen poco tiempo para dedicarse a los niños, se encuentran dedicados a sus trabajos y es algo que afecta a todos, porque nos hemos vuelto una sociedad altamente consumista, donde la felicidad está muy ligada a cuánto dinero tenemos, cuánto podemos comprar y por lo tanto, cuánto podemos dar a nuestros hijos materialmente. Por ende, un niño frente a una computadora “molesta” menos que suelto por el patio o andando en bicicleta por el barrio, donde hay que vigilarlo sumado los problemas de inseguridad que padecemos.

Finalmente, sostengo que no se trata de debatir si la tecnología es buena o mala, de si la época pasada fue mejor que ésta, se trata entonces, y reiterando, de poder utilizar la tecnología en beneficio de nosotros y del prójimo, ser solidario y ser responsable a la hora de utilizarla, no debemos volvernos “tontos virtuales” y no prestar atención a lo que ocurre a nuestro alrededor, fuera de las pantallas de televisión, de computadoras, de celulares, porque como dijo la psicóloga: “El diálogo personal con el otro, el contacto con otras personas nos enriquece, nos nutre y nos hace menos egocéntricos, porque nos topamos con dificultades que resolver, con puntos de vista distintos”. No podemos encerrarnos en comunidades virtuales donde entablemos un vínculo sólo con aquellos que tienen gustos en común con nosotros mismo, hay que animarse a salir a la calle y hacer frente a la comunicación cara a  cara que muchas veces tiende más a ser “in-comunicación”, porque no llegamos a conectar con el otro y a percibir realmente qué es lo que nos están diciendo. Utilicemos la tecnología, pero no reduzcamos nuestra naturaleza social solamente a ella.

La tecnología nos rodea, está por todos lados, pero está lejos de ser lo único a nuestro alrededor.

 

Sabina Reihle.

 

Un Personal Fest recargado

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Bloc PartyPor Catalina Bellisario

 

El Club Ciudad de Buenos Aires se preparó para recibir entre el 31 de octubre y el 1 de noviembre a una ambiciosa seguidilla de bandas internacionales del momento.

 

La nueva edición del Personal Fest contó con propuestas innovadoras e interesantes que al parecer de muchos, superó festivales anteriores.

 

En la primera fecha tocaron bandas de renombre como The Offspring, Draytones y Jesus & Mary Chain, entre otras. Y en la segunda fecha, con una oferta más variada para todos los gustos tocó The Mars Volta, Bloc Party, Kaiser Chiefs y por supuesto R.E.M.

 

La publicidad de esta nueva edición fue sumamente atractiva y persuasiva, al igual que la del año pasado, recordemos las pelucas azules. Esta vez, con una invitación que decía “Este año, elegante-sport” que se reflejó en las corbatas plásticas, rosas y grises que te daban al entrar. Obviamente se notó la reducción de costos, pero se mantuvo ese estilo glamoroso y colorido del Personal.

 

Un show que se destacó por su dinamismo, ya que a diferencia de las largas jornadas de otros festivales, en este caso, cada presentación comenzó en horario, gracias a que al estar los escenarios enfrentados, uno se preparaba mientras en el otro, tocaba alguna banda. Por lo tanto, se eliminaron esos innecesarios tiempos de espera, ansiedad y cansancio. 

 

Una tarde calurosa, pero ideal para disfrutar de buena música. La gente esperaba su banda favorita, mientras se deleitaba con música, que quizás no era de su estilo, pero que realmente valía la pena escuchar.

 

La grilla internacional del 1 de noviembre comenzó alrededor de las 18. 55 con The Mars Volta, la banda liderada por el guitarrista/productor Omar Rodríguez Lopez y el escritor/vocalista Cedirc Bixler Zavala. Su performance deslumbró al público por su euforia y electricidad. Un show explosivo que despertó la tarde con su energía y frenético sonido.

 

Mientras The Mars Volta se despedía, se armaba el escenario de enfrente, que alrededor de las 19.50 dio vida a la banda inglesa Bloc Party. Con una formación excéntrica, un cantante negro, un baterista que parecía una versión oriental de Harry Potter, un bajista y un violero bien anglosajones, brindaron un show divertido y emocionante. Presentaron su último disco “Intimacy” pero a su vez, hicieron un recorrido por su discografía tocando grandes temas como “The Prayer”, “Banquet” o “Like eating glass”. Personalmente la considerado una de las mejores presentaciones de la jornada. Y fue así que se dio inicio a la noche del festival.

 

A las 21. 00 el escenario MOTOROKR se preparaba para recibir a Kaiser Chiefs, la banda que en el 2005 alcanzó el éxito con su álbum debut “Employment”. Durante una hora, la banda recorrió su corta discografía y presentó sus hits más esperados: “I Predict a Riot” y “Ruby”. El público estaba exaltado, saltaba y bailaba cada tema, incluso los temas del nuevo álbum “Off with their heads”.

 

REM

 

 

Finalmente el personal alcanzó su climax, con la entrada al escenario de R.E.M alrededor de las 22. 10. Un despliegue técnico increíble, los juegos de luces, la pantalla gigante, el sonido, hicieron del show una experiencia única y alucinante. Durante casi dos horas, Michael Stipe derrochó carisma y simpatía, acompañado de su intensa voz, que permanece intacta con el paso del tiempo. Todo el público apasionado por esos grandes temas como “Man on the moon”, “The one i love” y el infaltable “Losing my religión”. Criticó a Bush, alabó a Barack Obama, hizo mover a un público ya cansado de largas horas de espera, pero todo valió la pena y confluyó en un momento histórico. Una leyenda en vivo, que presentó un show imborrable en la memoria de cada presente.

 

 

 

 

Alternativa-C

Filed under: Uncategorized — tallergrafica3 @ 3:57 am

 

Psicodelia y Contracultura

“La inocencia debe morir, si alguna vez hemos de comenzar ese viaje hacia la inocencia mayor llamada sabiduría”. James Baldwin

 

 

La bicicleta blanca del Dr. Hoffman

Los orígenes de la cultura psicodélica los encontramos en lo años 40, cuando un científico suizo, Albert Hoffman, comenzó a experimentar con derivados del acido lisérgico (Ergoit, en términos químicos). Mientras trabajaba purificando y sintetizando la sustancia, el doctor ingirió una mínima cantidad de estos hongos de centeno, y debido a una serie de mareos y sensaciones inexplicables de ansiedad y alucinaciones, se vio obligado a interrumpir su trabajo y retirarse a su hogar.

Tras haber sobrepasado esta ‘’desagradable’’ experiencia, optó por desafiar las posibilidades y volvió a su laboratorio para hacer una prueba con una cantidad superior. Esta vez los efectos serian mucho mayores.

“No estoy cansado y es tan tarde, moviéndose rápido todo parece genial”. (My White Bicycle)

En su vuelta a casa, en la famosa bicicleta blanca, el doctor confesó haber sufrido toda clase de alucinaciones. Los caminos se deformaban, al igual que las casas y los edificios, tomando formas onduladas y escalofriantes; los colores se acentuaban; sufría una dificultad para hablar, y no podía movilizar su cuerpo. También había perdido la noción del tiempo y del sentido. Ya en su casa, sintió como su mente y su interior se alteraban, como si estos se expandieran. Instantáneamente una serie de miedos comenzaron a atacarlo, sobre su vida y las consecuencias que esta sustancia podría ocasionar.

Todas estas sensaciones durarían por un rato prolongado, hasta que fue calmándose y se sintió despajado de todo malestar, tanto su mente y su cuerpo estaban en un estado de distensión, sus percepciones comenzaban a expandirse, y comenzó a disfrutar de los colores y las formas que surgían de los sonidos en el entorno. Esta sustancia química llegaría a ser conocida unos años mas tarde como LSD.

Unos años mas tarde los propósitos de su uso irían desvirtuándose derivando finalmente en su prohibición. El doctor Hoffman declararía en los años 70 su indignación hacia esta política, y también al abuso hecho por el uso inapropiado. Según él, el LSD poseía grandes cualidades curativas, especialmente en el campo del psicoanálisis, y el uso irresponsable de esta sustancia no justificaba la prohibición absoluta.

 

Manifiesto del Alma

Según los registros la palabra psicodelia fue inventada a partir de la reunión de un psicólogo británico llamado Humphry Osmond y un reconocido escritor, Aldous Huxley (autor de “Las Puertas de la Percepción”), quienes le adjudicaron el significado de “manifestación del alma”. Esta palabra deriva del griego Psyche (alma, mente), Dekin (hacer manifiesto) y Delou (mostrar, revelar).

‘Apaga tu mente y flota con la corriente (…) Escucha los colores de tus sueños” (Tomorrow Never Knows)

La intención era reflejar la experiencia psicodélica que la mente y el cuerpo sentían. Esta forma de concepción iba en contra del estilo de vida sedentario y conservador propuesto por la sociedad hasta ese momento. Se quería romper con las costumbres que el ‘’sistema’’ imponía a las personas; la idea era trascender los limites de la conciencia. “Todos reparan en el mas mínimo de los incidentes como si fueran metáforas para la vida misma. Toda persona, toda su vida, cada minuto, se vuelve mas fabuloso que cualquier otra cosa’’ (T. Wolfe)

Durante las décadas del 50 y 60 este concepto fue adoptado por las distintas formas de arte, en especial en lo que refiere a la pintura y la música.

Los antecedentes de la música psicodélica se ubican en el periodo de los años 50, con músicos como, Screamin Jay Hawkins, quien asustaba a las audiencias haciendo gestos y miradas atemorizantes en sus actuaciones; otros como Hasil Adkins (un One-Man Band, es decir, uno solo tocando todos los instrumentos), componiendo letras muy extrañas sobre sexo y decapitaciones; o innovadores como Sun Ra, quien experimentaba con distintas formas de jazz creando una secuencia de sonidos poco comprensible.

Luego en los años 60 se iría desarrollando la autentica psicodelia musical, cuando muchas bandas en ambos lados del océano Atlántico comenzaron a expandir los limites en su música. Por Inconformidad con la breve y monótona estructura clásica del rock and roll (verso, estribillo, verso), se adentraron a producir estructuras mas fluidas y libres. Comenzaron a incorporar variaciones instrumentales, la mayoría proveniente de la cultura Oriental, y también a utilizar innovaciones tecnológicas como las cintas al revés o los sonidos filtrados.

Dos de las primeras bandas que comenzaron con estos experimentos fueron The Yardbirds y The Byrds, mezclando guitarras, sitares y sonidos vocales en sus temas. Mas tarde seria el turno de grupo como The Beatles y The Rolling Stones, quienes en el mismo año, grabarían discos incorporando estos estilos, Revolver y Aftermath, respectivamente. Antes de que llegaran Sgt Pepper y Their Satanic Majestic Request, consideradas verdaderas reliquias psicodélicas.

“Abramos nuestras cabezas y dejemos que las imagenes aparezcan. Y si cerramos los ojos todos juntos, ahí podremos ver de donde venimos’’ (Sing This All Together)

Mas allá de las diferencias que podían existir entre los ritmos británicos y los norteamericanos, bandas como Pink Floyd o Traffic, al igual que sus contemporáneos americanos The Grateful Dead, The Doors, Love y Jefferson Airplane, se basaban en largas tomas instrumentales e improvisaciones, evocando la experiencia psicodélica del momento, de las formas y las drogas.

“Flotando el sonido resuena alrededor de las heladas agua subterráneas”. (Astronomy Domine)

 

Los chicos en el garage

En esta época también surgirían, en distintos rincones del continente norteamericano, lo que seria conocidos como Garage Rock. Adolescentes que mezclaban los sonidos psicodélicos con distintos efectos caseros y rasgueos de guitarras crudos y distorsionados, los cuales no sobrepasaban los tres acordes por canción. Todos ellos jóvenes inspirados por la invasión inglesa de The Beatles, The Rolling Stones, The Who y el resto de la camada. Debido a la carencia de un apropiado estudio de grabación y escases de recursos, imitaban los efectos psicodélicos de estas bandas con todo tipo de instrumentos caseros. Todas estas bandas surgían alrededor de EEUU, en pequeños pueblos, lo que los mantenía alejados de las grandes compañías discográficas, contexto que dio lugar al nacimiento de varios sellos independientes.

Entre todas estas bandas algunos que sobresalieron fueron grupos como The 13th floor elevators, The Seeds, Count Five, Electric Prunes, entre otros. Unos años mas tarde la discográfica Rhyno Records editaría una compilación doble con esta camada de grupos de la era psicodélica.

 

Cambios Eternos

Llegando a fines de la década del 60 se podían percibir en el aire los cambios que se producían y los que estaban por venir. Las protestas contra la guerra de Vietnam no pasaban desapercibidas; cuestiones de índole social como las drogas, la sexualidad de la personas, y el racismo, eran temas de debates constantes; y la brecha entre la nueva juventud y sus predecesores era cada vez más evidente.

A pesar de los intentos por escapar de las redes del mercado masivo y enfrentarse al sistema, la cultura hippie y junto con ella los principios de la psicodelia, se encontraban desvirtuados y hasta desvinculados de sus orígenes. El mercado ya los conocía y podía manifestar sus rituales, induciéndolos indiscretamente.

Por otro lado, dos de los exponentes mas respetados de la música psicodélica, como fueron Jimi Hendrix y Janis Joplin, fallecían durante los meses de septiembre y octubre de 1970; luego, un año mas tarde, Jim Morrison al igual que Hendrix, dejaría el mundo a los 27 años de edad.

 “Últimamente las cosas no parecen iguales. Actuando raro, pero nose porque. Discúlpenme mientras beso el cielo”. (Purple Haze)

En poco tiempo, las ramas musicales se ampliaban diversificando las composiciones y las corrientes. Estilos como el glam-rock, el rock sinfónico, el rock melódico, comenzaban a nacer para consolidarse en muy poco tiempo.

Las bases iníciales de la cultura psicodélica habían llegado a su apogeo, pero no estaban perdidas por completo. Las formas de contracultura seguirían expresándose, de distintas formas, hasta el día de hoy. Ya sea en las sociedades o en las cumbres artísticas, siempre surgen los intentos de cambios, la intolerancia hacia el conformismo, y las ansias de progresar por otros caminos alternativos, quebrando todo limite, toda barrera.

 

Juan Manuel Noval

“¿Dónde estaba Dios cuando nos asesinaban?”

Filed under: Protagonistas — tallergrafica3 @ 3:25 am
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Sala Aleksander nació en Polonia en 1922, en la ciudad de Lodz, donde se crió junto a su familia. A los17 años, en 1939, estalló la Segunda Guerra Mundial. Sus dos hermanos y su padre viajaron a la Argentina, para evadir el servicio militar. Sala quedó junto a su madre bajo la esclavitud, la tortura y el dominio de los alemanes.

Vivió en guetos y campos de concentración hasta que fue liberada después de seis años, por los rusos, el 15 de enero de 1945. Mataron a seis millones de judíos, entre ellos a su madre, y sólo se salvaron diez mil.

          Actualmente, Sala tiene 84 años, rehizo su vida, tuvo un marido, tiene dos hijos y tres nietos. Es sobreviviente del holocausto… y una gran luchadora de la vida.

 

¿Dónde vivió antes de que estallara la guerra?

 

En Lodz, la segunda ciudad más grande de Polonia. Allá nos criamos. Ochos meses antes de la tragedia, mi padre y mis hermanos se vinieron a la Argentina. Yo me fui con mi mamá a Chestojova (en Polonia) y estuvimos en la casa de una sobrina de mi madre. Cuando estalló la guerra, los alemanes empezaron a armar guetos y a meter gente en la casa donde nos encontrábamos; entonces fui a vivir a lo de una tía y mamá se fue a la casa donde vivían mis abuelos.

 

¿A dónde la llevaron los alemanes?

 

Lo primero que hicieron fue ponerme una cinta en mi brazo que les permitía identificarme como judía. Luego empezó la selección, a la derecha iban los viejos (para matarlos) y a la izquierda los jóvenes (para trabajar).

Yo tenía 17 años y un alemán me preguntó: – ¿Dónde trabajaste anteriormente?. No supe qué decirle, porque nunca había trabajado, él me reiteró la pregunta una vez más. No contesté y me mandó a la derecha, me iban a matar.

Un policía judío me agarró de la mano y me puso a la izquierda, mientras los demás le gritaban: – ¡Hombre si te descubre te matan a vos y a la chica!

Ahí me quedé, pasé la selección hasta que crearon una fábrica de municiones y me llevaron a trabajar allí.

 

¿Cómo era la “vida” en los campos de concentración?

 

No tenía ni nombre ni apellido, sólo un número pintado en la ropa: 5110.

Tenía que controlar 10.000 balas por día que despachaban a la frontera. Trabajaba de domingo a domingo, una semana de día y otra de noche, de 7.00 a 17.00. Así trabajé en condiciones infrahumanas, éramos esclavos y nos acostumbraron a esa vida.

Nos despertaban a las cinco de la mañana, todos los días, y nos llevaban a una plaza, todos desnudos, con veinte grados bajo cero y nos tenía ahí dos horas solo para vernos sufrir.

Un día llegué un minuto tarde y me llevaron al lugar de castigos, me dieron diez latigazos y estuve un mes trabajado parada porque tenía toda la cola hinchada.

 

¿Dónde dormían y que comían?

 

Dormíamos todas las mujeres jóvenes juntas, sobre unas cañas, en un espacio de cincuenta centímetros para cada una y nos tapábamos con papel. No teníamos pertenencias, y si se podía robar se robaba.

Comíamos pan mezclado con papel para ahorrar. Un día me enfermé de pleura, tuve 42 grados de fiebre, todos los días pasaban los alemanes para ver cómo estaban los enfermos. Los que no mejoraban se los llevaban para matarlos.

 

¿Sabía lo que había pasado con su madre?

 

Sí, sabía que a mi mamá la habían matado. Había momentos en que envidiaba su destino. Estaba cansada de la vida, yo hubiera preferido morir a vivir así.

 

¿Cómo fue la liberación?

 

Me liberaron los rusos el 15 de enero de 1945. Pero ahí empezó otra “guerra”. Hacía 25 grados bajo cero, no teníamos nada, ni a donde ir, y los polacos nos recibieron mal. Dijeron: -¿Cómo es que Hitler no pudo terminar con todos?¿No pudo matar a todos los judíos?

Pasé un año en Polonia, después ochos meses en Alemania y un año en Francia. De allí me fui a Paraguay. No me podía comunicar con mi papá porque no sabía la dirección, pero me acordaba la de mi tío, así que escribí varias cartas hasta que un día recibí respuesta. Mi papá hizo los papeles y pagó para que dejaran entrar judíos a la Argentina. Mi hermano me vino a buscar a Paraguay y entre al país ilegalmente.

 

¿Qué sintió cuando llegó al país?

 

Fue el momento más feliz de mi vida cuando vi a mi padre y a mis hermanos.

 

¿Qué cree que la ayudó a seguir adelante?

 

Yo solo creo en el ser humano, soy atea, no puedo creer en Dios después de lo que pasé. ¿Dónde estaba Dios cuando estos hijos de puta de los alemanes nos asesinaban? ¿Dónde estaba…?

 

 

Denise Aleksander.

“Las palabras son más peligrosas de lo que pensaba”

Filed under: Protagonistas — tallergrafica3 @ 12:00 am

Bajo del colectivo y encaro hacia la calle Montevideo, busco la altura con impaciencia pero a la vez con nerviosismo. Una de esas voces anónimas que muchas veces se descarta, llamó hoy a la redacción, y un dato que pudiera ser pueril por su inconsistencia, llamó mi atención: Alejandra Pizarnik, luego de estar cinco meses enclaustrada en el Hospital Pirovano, se encuentra en su casa solo por el fin de semana. Los rumores fueron varios (intentos de suicidio, depresiones), seguramente todos falsos, pero en ellos recae la intención de mi entrevista. Es una de las voces poéticas más potentes de los últimos años, y  las versiones que la ubicarían como una artista maldita se diluirían en la verdad de su testimonio. Miró mi agenda para confirmar la altura del edificio e involuntariamente me doy cuenta de la fecha,  25 de septiembre, hace cuatro días que comenzó la primavera, y pienso, con el humor negro que me caracteriza, “Tendría que estar prohibido suicidarse en primavera. Alejandra no sería tan obvia.” Sonrío torpemente.

Toco el portero del departamento C del séptimo piso, y espero sin mucha confianza una respuesta. Luego de un par de minutos una voz grave me contesta. Ya en la escaleras (le tengo miedo a los ascensores) ensayo un par de preguntas en mi cabeza, no tenía ningún cuestionario preparado. Debo advertir que solo conozco a Pizarnik por fotos. Me abre la puerta una mujer con un cuerpo diminuto casi de niña, demasiado flaca para ser una mujer adulta. El pelo corto y algunos rasgos endurecidos la muestran con un aire masculino. Esta vestida con un pantalón que le va muy grande y con un pulóver de hilo que se nota está demasiado usado. Tiene los pies descalzos. Me extiende la mano y en los dedos frágiles que trato de no romper, no puedo dejar de notar marcas que parecen dientes. Me hace pasar y sin decir una palabra me señala el sillón. Me siento con la soberbia de haber conseguido algo que muchos buscaban.

 

-¿Quisiera saber en que estás trabajando en este momento?

 

Me mira de forma penetrante, con los ojos extraviados, como si no entendiera la pregunta.

 

-Ya no me dedico más a la escritura, he abandonado todo plan literario. Sé que escribo bien, y eso es todo, las palabras son más peligrosas de lo que pensaba.

 

-Tal vez los últimos libros de prosa que has publicado han desorientado a la crítica.

-Nadie sabe que fue lo que quise decir con La condesa sangrienta… (levanta su pulóver y me muestra algunas heridas que hay en su muñeca) esto lo hago porque estoy aburrida (se ríe), lo hago para jugar.

 

El clima se enrarece, trato de pensar en alguna pregunta que la distienda, pero ella continuo sumida en algún objeto de la casa que no logro visualizar, casi no parpadea.

 

-Has estado alejada del ambiente…

-He estado alejada, pero lamentablemente siempre estoy, soy, ser-estar, esos verbos ya me disgustan, están muy usados ya…

 

Pido permiso para ir al baño, como no encuentro respuesta de su parte me levanto y lo  busco por mi cuenta. En el recorrido solo veo cosas que enturbian la realidad de cualquier persona: muñecas maquilladas en una ronda como espectadoras de algo posible, un pizarrón con  la leyenda “No quiero ir nada más que hasta el fondo.” Entro al baño, me mojo la cara y me sorprendo de la cantidad de frasquitos con pastillas que hay sobre el piso. Me doy cuenta de que no voy a conseguir nada de esa entrevista y allí en entre la blancura, un inodoro y frasquitos de pastillo decido retirarme.

 

 Varias cosas cruzan mis pensamientos: ciertas advertencias, algunas consideraciones morales, fastidio por no conseguir lo anhelado. Prendo un cigarrillo y con corrosiva decisión me digo a mi mismo en el espejo del ascensor “Algunas cosas solo tienen que dejarse llevar hasta el fondo.”

              

                                                                         Pablo Méndez

 

 

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